Los primeros capítulos de MadMen desconciertan porque no anticipan lo que va a mostrarse después. Uno los asume como guiones incialies bien trabajados pero quizá aún superficiales. Demasiados personajes y muy poco concretos: cada uno mantiene su individualidad –qué menos para una serie americana, en un país cuyo arte de escribir diálogos se ha vuelto universal–, pero no hay una rica conciencia palpitando tras las palabras. Yo, que detesto las series (con frecuencia resultan banales, pero alimentan una necesidad por encima de su contenido profundo), estuve a punto de abandonar a Don Drapper porque no veía nada en él que reclamase mi atenta observación.
El tiempo me enseñó que me precipitaba. Con el avance de los capítulos las personalidades se matizan y las circunstancias se vuelven más sombrías. El Piloto seducía al público por su atrevida y algo aprovechada visión constante de lo políticamente incorrecto: machismo, tabaco, alcohol. Una serie así no hubiera llegado muy lejos, pues lo nuevo se quiebra cuando se vuelve algo habitual. La belleza de la ficción debería resistir una y mil veces a nuestra severa mirada. Desde el momento en que nuestro gélido Don Drapper es un hombre que no existe; y desde que la vida de los personajes es un vaso de fina bohemia expuesto a ruidos demasiado agudos, la serie adquiere otro matiz y se torna sinuosamente brillante.
Me parece un acierto que los guionistas no centrasen la trama en el hermano de Don, en su secreto: el interés no reside en los hechos (premisa de todo gran arte) sino en lo que devienen, en la personalidad que los sustenta. Don Drapper es un ser vacío; también es un hombre sin fisuras. Dentro de la perpetua mentira en la que vive, el hombre real que se esconde tras la máscara se agita y sufre y se enamora, pero por encima de esos sentimientos sanguíneos se encuentra nada menos que su vida: mujer, hijos, trabajo, dinero. Y es un patrimonio demasiado amplio como para permitir que se derrumbe.
Todo en la serie se dirige a construir la diferencia entre quiénes somos, qué nos inculca la sociedad, y cómo asimilamos la diferencia. Cada uno representa el papel asignado, pero existen igualmente perdidos. A partir de la mitad, digamos, de la primera temporada, cada capítulo muestra una decadencia progresiva. Hombres alcohólicos e infieles, que creen entregarse al placer por su propia voluntad cuando en verdad se entregan al caos. Mujeres que ignoran si aún son niñas que se abandonan a los hombres para suplir sus propias carencias.
Sonaría anacrónico si el presente no se pareciese tanto a lo que esta serie muestra. El amor como deseo, y no como compromiso; la necesidad de mostrar una imagen externa opuesta a nuestro interior, pues se sustenta sobre hucos estereotipos que poco conllevan; una vida de ocio y ganancias materiales; vínculos personales tan elaborados como un jardín japonés, pero podridos por dentro; dramas personales que a nadie le importa salvo al que los padece… Todo en MadMen es una máscara. Una serie chapada a la antigua que nos habla de hoy; hombres seguros de sí que tienen miedo; mujeres desubicadas que parecen ubicadísimas; productos que sólo se diferencian entre ellos porque se anuncian y seleccionan valores…
Cada mínimo detalle encaja; pero no como las figuras del Tetris, sino como en un cuadro impresionista. La serie se despliega poco a poco, color tras color, y es el conjunto el que nos deja anonadados. Al igual que ocurre con Los Soprano, la risa o el regocijo iniciales dejan paso poco a poco a sensaciones más densas, que nos obligan a cotejar nuestra experiencia y nuestros sentimientos con los de los personajes a cuya caída asistimos.
MadMen es estimulante, es graciosa cuando debe, es variada, es (sobre todo) un drama sobre los frágiles e inmaduros pilares sobre los cuales, en el fondo, se asienta la existencia moderna. Qué poco sabemos estar a la altura, ya no de nuestro nombre, sino incluso de un nombre inventado. Vayamos adonde vayamos, triunfemos como triunfemos, nunca dejaremos atrás la sombra de ser nosotros mismos.
Si una serie puede medirse (y debería medirse así) por la variedad y amplitud de lo que provoca, incluyendo también la sana sorpresa, MadMen está entre las primeras. Hacía mucho tiempo que no se describían con tanta sutileza las redes del vacío personal de nuestro mundo, radiante sin embargo de publicidad. Entre sus muchos personajes, quizá nos encante Peggy, la buena chica ingenua que llega alto ocultándose cada vez más; el homosexual reprimido pero galante con su esposa; el jefe vividor que desconoce el rumbo de sus egoístas sentimientos; la secretaria sensual que lo logra todo gracias a su sensualidad, pero que –desgracia la suya– esconde un talento superior a eso; el oportunista infantil con aspiraciones, egocéntrico y dañino; la esposa perfecta sin razón para estar casada, pero cuya felicidad depende directamente del matrimonio.
Da lo mismo.
En un nivel u otro, todos somos más Don Drapper. Todos hemos decidido que una parte de nuestro pasado debe quedar detrás. Que el fracaso (signifique lo que signifique) debe negarse. Que el olvido es necesario para ser alguien. Una vida construida con la argamasa de la negación.
Una grandísima mentira.
Y por eso precisamente más terrible, más compleja.
Javier C.
5 razones para ver Mad Men
Si mi gran amigo y mejor escritor Javier no os ha convencido con su texto de que comencéis a ver la serie, a continuación sintetizaré en cinco punto las razones por las que creo que no deberíais perdérosla.
1- La recreación de los años 60 como pocas veces los habíamos visto. La serie muestra sin complejos el machismo, alcoholismo o la feroz competencia de la sociedad americana de la época. Una recreación que con el paso de los capítulos se va diluyendo y nos recuerda a los ideales que hoy en día imperan en nuestra sociedad, lejos del optimismo de la era Kennedy que se nos suele enseñar.
2- Los personajes son tan reales que parece que se pueden tocar. Desde las dos obras maestras de HBO (Los Soprano y A Dos Metros Bajo Tierra) ninguna serie había mostrado personajes tan complejos, con tantas capas. Los malos no son malos del todo, y lo mismo pasa con los buenos (si es que los hay).
3- Es la serie de moda, de la que todos los "entendidos" hablan. Ha sido portada de la revista Time, el año pasado acaparó los grandes premios de la televisión y, aunque tiene muchos admiradores, sus detractores también son legión. ¿Obra maestra? ¿Bobada pretenciosa? La única manera de posicionarte en un bando es viéndola.
4- Es la serie de la contención. De la economía del lenguaje. Un gesto, una mirada O un par de palabras pueden expresar un mundo. Es la serie del subtexto, de las segundas y terceras lecturas. Una serie que no puedes ver mientras haces la comida. Trata a los espectadores como personas inteligentes, y nosotros se lo agradecemos.
5- Porque como toda buena obra de arte, Mad Men no es sólo una serie de televisión. Es una obra que pone en tela de juicio los pilares sobre los que nos asentamos. Que nos recuerda a nuestra sociedad más de lo que nos gustaría y que, al fin y al cabo, nos hace pensar, que nunca está de más.
Y de propina, os presento a Don Draper, protagonista de Mad Men.
Ponte en situación. Eres un cincuentón, profesor de química de un instituto, un trabajo para el que estás sobrecualificado. Toda tu carrera y tus ambiciones personales las has sacrificado por tu familia. La economía familiar no pasa por su mejor momento, con lo que tienes que buscar un segundo trabajo en un lavadero de coches para costear los gastos de la llegada de tu segundo hijo, que nacerá en unos pocos meses. Así las cosas, te diagnostican un cáncer de pulmón inoperable.
¿Qué hacer?
Mantenerlo en secreto y comenzar a traficar con metanfetamina para dejar una buena herencia a tu familia. Al menos, eso es lo que hace Walter White.
Por su puesto, sabes como fabricar la droga, pero no tienes ni idea de qué hacer con ella, con lo que te asocias con un antiguo alumno tuyo, Jesse Pinkman, un chico que no prometía mucho en sus tiempos de estudiante y que está haciendo sus primeros pinitos en el tráfico de drogas.
Hasta este momento, aunque un tanto extraño, parece un buen plan. Pero no cuentas con una cosa. Tu nueva ocupación te gusta. Llena el vacío de ambiciones en el que has vivido las últimas décadas. Empiezas a sentirte útil, poderoso, imprescindible. Al mismo tiempo aparecen los problemas: un cuñado que trabaja en la fuerza antidroga, errores de novato en el tráfico del cristal, situaciones peligrosas y, sobre todo, dificultades para justificar las prolongadas ausencias en casa.
Y ahora ¿qué hacer?
¿Dejar la aventura cuando aun estás a tiempo? Parece lo lógico. Pero Dios, nunca te has sentido tan vivo, la sensación del peligro constante te gusta cada vez más. ¿Cuál es entonces la solución?
Mentir
Mentir a tu familia en todo momento, ocultar las salidas y llegadas, las llamadas, poner excusas absurdas con tal de seguir sintiéndote vivo, de continuar experimentando esas sensaciones tan intensas. Al fin y al cabo lo estás haciendo por ellos, por tu familia ¿O por ti? Te autoconvences de que es un sacrificio más, el último que haces por ellos antes de desaparecer. Pero lo cierto es que cada vez se trata más de un acto egoísta.
Tu mujer y tu hijo se preocupan por tus ausencias y tus extraños comportamientos, pero ya no hay vuelta atrás porque la mentira es cada vez más grande. Porque la mentira se ha vuelto tan grande que tú mismo comienzas a creértela. Cada vez te sientes menos Walter White y más Heisenberg, tu nombre "artístico" en el mundo del crimen. Sientes que Jesse Pinkman, tu asociado, es más tu familia que tu mujer y tu hijo.
Siguen las mentiras, porque ya son imparables. Porque ya no hay manera de detener esa espiral enorme que tú mismo has creado. Tu secreto, tu nueva vida, es ya la prioridad, y eso te vuelve más mezquino, más frío, te hace cometer actos cada vez más despreciables. Es el precio a pagar por proteger la mentira, que para ti ya se ha convertido en la verdad.
5 razones para ver Breaking Bad:
1- Bryan Cranston (el padre de Malcom en Malcom in the middle) hace un papel espectacular. 2- Los personajes secundarios son también muy interesantes y complejos, en especial Jesse Pinkman, el compañero de negocios de Walter. 3- El ritmo es pausado, pero no lento, algo nada habitual en televisión, directamente heredado de Los Soprano 4- Tiene grandes momentos de humor negro que recuerdan mucho al cine de los hermanos Coen. 5- Los finales de capítulo son casi siempre magistrales. Nada de dejarnos en medio de una escena como en Lost, True Blood o Prison Break. Contundentes, pero finales de verdad.
Si aun no te he convencido de que veas la serie, a continuación puedes ver la poderosa secuencia que abre el episodio piloto.
Después de unas semanas de inactividad, nos volvemos a poner las pilas con una nueva revisión de algunas de las propuestas más destacadas de la cartelera actual. Analizamos la ópera prima de Borja Cobeaga, Pagafantas; la nueva entrega de la saga de Harry Potter y la tercera parte de las aventuras los animales prehistóricos de Ice Age. Además, te explicamos la (creemos) interesante dinámica que desarrollará la sección a partir de la semana que viene.
Antes de ir al meollo de la cuestión, las críticas, me complazco de informaros de que a partir de la semana que viene, esta sección va a desarrollarse durante alrededor de tres meses, de una manera uniforme. Salvo que la actualidad lo requiera, y tengamos que analizar alguna noticia importante sobre el mundo del cine o la televisión, desde ahora, todas las semanas actualizaremos con una crítica cinematográfica de una película de la cartelera y comenzaremos lo que vamos a llamar "Camino a los Emmy".
Como casi todos sabréis, los Emmy son los premios más importantes de la televisión americana. Pues bien, cada semana analizaremos una de las 14 series nominadas en las categorías "Mejor serie de drama" y "Mejor serie de Comedia", las categorías más importantes. Para hacerlo, me gustaría contar con colaboradores a los que les apetezca escribir sobre alguna de las series nominadas, para que no todo sea mi opinión. Si alguno está interesado, sólo tiene que dejar un comentario en esta entrada o escribirme un mail diciendo que serie estaría interesado en analizar.
Las series nominadas son las siguientes:
Mejor drama: Mad Men, Lost (ésta me la pido yo), Big Love, Breaking Bad, Dexter, Damages y House.
Mejor comedia: 30 Rock, The Office, Flight of the Conchords, Padre de Familia, Weeds, Cómo Conocí a vuestra Madre y Entourage
Después de esta nota informativa, vamos a ver qué nos han parecido los últimos estrenos.
Pagafantas
Antes de decir nada más, diré que me ha gustado. Me ha gustado mucho. De hecho, mi recomendación es que si tenéis pensado ir al cine en los próximos días, deberíais ir a ver esta película antes de que la quiten de la cartelera. Es más ¿Qué os cuesta? Estamos en mitad del mes de julio, con una ola de calor que prohibe salir a la calle antes de las siete de la tarde. En el cine se está a gusto. Hay aire acondicionado y el tipo que escribe SéptimoArte os promete que vais a disfrutar la peli. Si luego no os gusta, me echáis la bronca en los comentarios y lo aceptaré sin rechistar (Bueno, igual rechisto un poco)
Después de este bizarro prólogo, entramos en materia. Como he dicho, el debut en el largometraje de Borja Cobeaga me ha parecido muy positivo, muy esperanzador en el contexto del global del cine español. Demuestra que en este país se pueden hacer buenas películas sin olvidarse del gran público. El director ya había dado pistas de lo que podía hacer con su fantástico cortometraje "Éramos Pocos", con el que estuvo nominado al Oscar de Hollywood, pero con Pagafantas entra de lleno en la lista de nombres a tener en cuenta en el panorama cinematográfico nacional.
Hablando ya de la película propiamente dicha, estamos ante una comedia inteligente, gamberra, con mucho humor negro, grandes dosis de tragedia y ¡Oh, milagro!, ningún desnudo. Los chistes gruesos y zafios tan típicos de las comedias "a la española" no existen en Pagafantas. El humor es mucho más inteligente que todo eso. Es un humor incómodo, que provoca carcajadas de vergüenza ajena, sin huir de situaciones muy reales que todos hemos vivido, ya sea en nuestras propias carnes o en las de algún amigo.
Uno de los puntos fuertes de la película es su guión. Se nota que es un guión cerrado, revisado, meneado y pensado, en el que las situaciones no pasan porque sí, sino que las historias que empiezan, acaban. Con algunos elementos secundarios que van apareciendo a lo largo de la película aportando un ritmo pocas veces visto en las comedias españolas. Desde la historia de Bunbury hasta la de la señora Begoña, pasando por los mini-documentales demuestran que no es una sucesión de chistes que se van acumulando, se trata de un guión mucho más pensado que todo eso. Los diálogos también son unas de las claves de que la película funcione, pues su ritmo, el humor inteligente (pero sin pasarse) e incluso las coletillas funcionan a la perfección durante todo el metraje.
Mención aparte merecen los personajes, porque es posiblemente es la principal razón de que la película esté gustando tanto a la crítica como al público. Se trata de caracteres totalmente reconocibles en nuestro entorno. Sin tratarse de personajes de Dostoievski (ni falta que hace), son suficientemente complejos para que parezcan reales. Exagerados y caricaturizados (al fin y al cabo es una comedia) pero sin caer en excesos innecesarios que mantienen todo el rato la película con un tono de "riete, pero cualquier día te puede pasar a ti". A enfatizar este punto fuerte de la película contribuyen decisivamente los actores, principalmente la pareja protagonista formada por Gorka Otxoa y la bellísima Sabrina Garciarena, pero sin olvidarnos de Óscar Ladoire (simplemente genial) y Kiti Manver, ni de los chicos de Muchachada Nui, estupendos como siempre.
De todas formas, después de tanto halago, no quiero daros una impresión equivocada. Es una buena comedia, podríamos discutir si muy buena, pero nada más. Tampoco lo busca. No vayáis al cine esperando ver la película del año, porque os desilusionaréis. Lo que sí os encontraréis será con una hora y media de buena comedia, con la que os reiréis y pasaréis un buen rato. Motivos suficientes para ir al cine ¿no?
Nota: 8
Harry Potter y el Misterio del Príncipe
Antes de meterme de lleno en el universo HarryPotteriano, unas cuantas aclaraciones:
1. No soy fan de la saga. 2. Sólo me leí los dos primeros libros, y no me gustaron más que leer El País Semanal 3. Con esto no digo que los fans me parecen imbéciles ni nada por el estilo, sólo que a mí no me gustan. 4. Voy a ver las nuevas películas por inercia, porque "ya que he visto todas las demás..." 5. Como consecuencia de todo lo anterior, la fidelidad al libro me da exactamente lo mismo. 6. La anterior entrega me parece la peor de la saga con diferencia. Un insulto a la inteligencia.
Después de las aclaraciones pertinentes, y entrando de lleno en la película, lo primero que tengo que decir es que no es una sola película, son dos. Una me gusta, no me encanta pero me gusta. La otra me aburre soberanamente. Como para mí son dos películas distintas, hablaré de ellas invividualmente. A la primera la llamaremos "Harry Potter se mete en un capítulo de Al Salir de Clase" y a la otra "Harry Potter lucha contra los malos, que cada vez son más chungos"
Empezamos con "Harry Potter se mete en un capítulo de Al Salir de Clase". Como soy una persona abierta de mente, entiendo que en una película de adolescentes tenga que haber historias de amor de adolescentes. Hasta ahí puedo comprenderlo. Pero que esa trama llene más de la mitad de toda la película, cuando el mundo se ve amenazado por una ola de maldad que riete tú de Dart Vader, hay un trecho.
Eso en lo que se refiere al fondo. Si nos metemos en la forma, es para echarse a temblar. Actores de alrededor de veinte años interpretando a chavales de 16 que viven las relaciones amorosas como niños de 13. Un despropósito en toda regla. Ese amor virginal-megacasto made in Disney Channel me toca los huevos hasta límites insospechados. No digo que tengamos que ver un Física o Química en Hogwarts, pero hay un punto intermedio que permitiría a las escenas dejar de ser ridículas.
Lo positivo de esta parte de la película es que los actores demuestran que, tras haber trabajado juntos en seis películas, se complementan estupendamente, lo que hace que en más de una ocasión no tengan que verbalizar cada pensamiento, sino que con una mirada basta, lo que es muy de agradecer en cualquier película. En la otra cara de la moneda, al haber planteado la película de esta forma, Ron y Hermione dejan de lado sus papeles protagonistas de las anteriores películas para convertirse en personajes totalmente accesorios.
Menos mal, que en los descansos de esta película, tenemos unas cuantas entregas de "Harry Potter lucha contra los malos, que cada vez son más chungos" que, en mi opinión, es lo que salva la película de la ecatombe total.
No es que la película tenga grandes dosis de acción y tensión, pero mejora bastante lo visto en la anterior, en la que no pasaba absolutamente nada relevante. Pero lo poco que pasa, todo hay que decirlo, está muy bien hecho. La cinta gana en oscuridad respecto a sus predecesoras, sobre todo por los flashbacks de la infancia de Voldemort (¿de dónde han sacado a ese niño?). El personaje de Snape, lo mejor de todas las películas, sigue siendo igual de ambiguo y misterioso, y la evolución del "pequeño villano" Malfoy está muy bien lograda.
De todas formas hay un par de secuencias que me parece que están muy por encima del resto. La que abre la película, con los mortífagos recorriendo el Londres real (se nota que hay presupuesto) y una de las secuencias finales, para los que la hayan visto, la de las varitas en alto.
Como podéis ver, se trata de una película que en realidad son dos, así que sólo la recomiendo a los fans de la saga, que van a disfrutar más que con muchas de las anteriores, y a los que no sean fans que se sientan capaces de aguantar un capítulo de Hannah Montana para disfrutar la parte "con chicha" de la entrega.
Nota: 6
Ice Age 3: El Origen de los Dinosaurios
Al contrario de lo que me pasa con Harry Potter, las dos anteriores partes de Ice Age me gustaron. No me apasionaron como me pasa con la mayoría de las palículas de Pixar, pero me gustaron bastante. Y al contrario de lo que me ha pasado con la última entrega de Harry Potter, esta me ha aburrido soberanamente de principio a fin. Como es lógico, no me voy a quedar en el análisis superficial tipo "es una mierda", sino que voy a argumentar un poco mis motivos.
Sabemos que una de los principales negocios de Hollywood son las secuelas, y de hecho, como negocio es irreprochable. Sólo hay que ver la recaudación que ha conseguido la película tanto en Estados Unidos como en Nuestro país. El negocio funciona. Pero ¿no habría que saber decir ya?. La perdida de calidad de las secuelas resta deja un irremediablemente un mal sabor de boca en los espectadores de las películas. ¿No vivíamos mejor sin la segunda trilogía de Star Wars? ¿Y sin la última película de Indiana Jones? Los ejemplos son inagotables: Matrix, Misión Imposible, Saw, Parque Jurásico, Shrek, Jungla de Cristal, Arma Letal, las recientes entregas de Terminator... Señores magnates de Hollywood, os pregunto ¿no sabéis cuándo parar? Pues bien, Ice Age 3 es, en resumen, un claro ejemplo de no saber decir basta.
Para empezar, los chistes no funcionan. Y si en una película de humor los chistes no funcionan, es complicado salvar la película. En la primera película, los chistes del perezoso torpón funcionaban, los de Diego, el tigre con dientes de sable que no dejaba de quejarse también. Incluso los del mamut, al que en la segunda parte dan un empujón al encontrarle pareja. En esta entrega, cada vez que el tigre se queja, te aburres, cada vez que el perezoso se cae, o comete alguna torpeza, te da lo mismo y los chistes del mamut y su mujer no son mucho mejores que los de un capítulo de Escenas de Matrimonio. Y no culpo a los guionistas por ello, al fin y al cabo, no le vamos a pedir un gran arco argumental a un mamut.
¿Y cómo salvamos este embrollo? Obviamente, metiendo a Jack Sparrow (el de Piratas del Caribe) en la película. Si "funcionó" en las tres películas de la factoría Disney ¿cómo no va a funcionar en la nuestra? Hombre, el Jack Sparrow en forma de comadreja salva el tipo como personaje, pero la historia es tan simplona, y los demás personajes están tan manidos y exprimidos que no hay manera de sacar el despropósito adelante.
Porque la historia es tan compleja que la firmaría el mismísimo Charlie Kauffman. El perezoso, haciendo gala de su torpeza habitual, se pierde en un mundo paralelo que se encuentra debajo de donde viven los protagonistas. Los demás, van a salvarlo y, atención spoiler, ¡lo consiguen! La particularidad de esta tercera parte de la saga es que en el mundo en el que se pierde el perezoso hay dinosaurios. Lo de los dinosaurios es especialmente gracioso. Según he podido leer, en la primera película, los autores se documentaron sobre la Edad de Hielo, y una de las consignas básicas que obtuvieron por parte de los arqueólogos consultados fue "No metáis dinosaurios, pues desaparecieron 350 millones de años antes" Lo cierto es que lo respetaron. Pero claro, cuando llevas tres películas, las ideas se acaban, y me parece que visualizo la conversaci´´on entre los guionistas, a los que llamaremos Jack y Mike.
Jack (sudando): ¡Ya lo tengo! ¿Y si metemos dinosaurios? Mike: Oh Jack, es una idea genial (genial es una palabra que sólo usan los americanos) Jack: Pues nada, ve a comprar Budweisers y nos ponemos a ello. Mike: Espera. Creo que había un problema en meter dinosaurios. Voy a mirar los papeles. Jack: Tú y tus problemas Mike, pareces mi madre. Dame una calada de eso. Mike: ¡Aquí está! (leyendo) "No se podrán introducir dinosaurios en la película, pues se extinguieron 350 millones de años antes de la época en la que se desarrolla la historia" Jack: ¿Y qué, Mike? Mike: ¡No me jodas Jack! (los americanos también se suelen llamar mucho por su nombre en una conversación, como para recordarte que se lo saben) Jack: No veo el problema. Mike: Pues que no se pueden meter dinosaurios porque estaban extinguidos. Jack: Siempre tan tiquismiquis. Sí tenemos un mamut, un perezoso y un tigre que no sólo no se devoran entre ellos, sino que hablan. ¿Qué más dará si metemos unos dinosaurios? Déjale el rigor a las películas de nazis. Mike: Pues también tienes razón. De hecho, tengo un título requeteoriginal. Jack: ¿Así, de repente? Mike: Es que ya sabes que yo soy de chispazos de inspiración. Se llamará "el origen de los dinosaurios" Jack: Dios, eres bueno. Mike: Por eso estás casado conmigo. Y dame eso de vuelta que te lo vas a fumar todo.
Quizás me he pasado un poco (a nadie se le ocurre un título tan rápido), pero estoy seguro de que pasó algo así. De todas formas, todo hay que decirlo, no todo en la película es malo, pues siempre nos quedará la ardilla Scrat y las dosis de maravilloso cine mudo que nos ofrece en cada entrega. En esta ocasión, le buscan una compañera de fatigas, y el resultado es igual de bueno que siempre. De hecho, la única razón por la que no me quedé dormido viendo semejante bodrio fue porque esperaba ansioso la llegada de la ardilla.
¿A quién le recomiendo la película?: A sadomasoquistas, a los que les gustó Shrek III y hablando más en serio, los niños la disfrutarán (todavía no tienen criterio). Por ellos, los niños, le pongo la nota que le pongo, y no un cero redondo que es lo que se merece.
Después del obligado descanso por obligaciones académicas, en SéptimoArte hemos hecho los deberes, es decir, hemos ido al cine y traemos tres críticas de películas actualmente en cartelera: una de animación (Los Mundos de Coraline) y dos comedias (Te Quiero, Tío y ¿Hacemos una Porno?)
Los Mundos de Coraline
Desde hace unos cuantos años, sobre todo gracias a Pixar, las películas de animación están encontrando un hueco más allá del público infantil. Coraline es una de esas películas que buscan llevar a las salas tanto a los más pequeños como a los adultos que buscan un poco de imaginación más allá de los prefabricados blockbusters de Hollywood. Y los que van al cine buscando eso, en Los Mundos de Coraline lo encontrarán en grandes dosis: imaginación a raudales, una realización perfecta y una historia parecida a la historia de siempre, pero con su pequeña vuelta de tuerca.
Aunque la película no se llama así en su idioma original, Los Mundos de Coraline no podría tener un título más adecuado. Desde el primer minuto, la historia te transporta a un mundo nuevo, con personajes estrafalarios, imágenes inolvidables y una protagonista que conecta con el espectador desde su primera aparición.
A los mandos de la historia se encuentra Henry Selick, director de la mítica Pesadilla Antes de Navidad, también rodada con la técnica del stop motion. Lo cierto, es que una vez que sabes esto, los paralelismos entre ambas películas no se pueden dejar de lado (historia infantil, toques de cine de terror, ambiente gótico...). Sin embargo, Los Mundos de Coraline consigue que te olvides de estas comparaciones y te sumerjas en la trama.
De todas formas, no todo van a ser cosas positivas. La historia, pese a tener un toque original, es bastante simplona. El desarrollo de la trama es muy predecible y su primera parte se sostiene más por la espectacularidad de sus imágenes que por el interés de la historia. Por el otro lado, la segunda mitad es trepidante, cada uno de los personajes es más estrafalario y divertido que el anterior (personalmente me encanta el padre) y consigue que pases momentos de tensión e incluso alguno de miedo.
En resumen, se trata de un pequeño cuento de terror con una realización simplemente maravillosa, y que, de regalo, nos deja una moraleja en forma de reflexión sobre la época que nos ha tocado vivir.
NOTA: 8,5
Te Quiero, Tío
Seguro que después de ver el tráiler ya te has dado cuenta de que no estamos ante la película del año. Posiblemente también pienses que va a ser una bazofia infumable. Bien y mal. Te Quiero, Tío no es una gran película, pero tampoco es una mala película. Se deja ver sin ningún problema y las casi dos horas de metraje se pasan muy rápido.
Con este largometraje continuamos explorando el hasta hace pocos años olvidado mundo de las comedias románticas sobre hombres y dirigidas a los hombres (Lío Embarazoso, Virgen a los 40...) pero con una especial particularidad. Normalmente el centro de la película es que el chico acabe con la chica, y aquí, el protagonista ya está prometido, de manera que lo que se narra es la hitoria de amor de dos amigos (son connotaciones sexuales de ningún tipo)
Pese a tratarse de una comedia, lo mejor de la película no son los gags, aunque hay algunos muy conseguidos y otros realmente malos. Lo mejor de la película es su manera de mostrar la amistad masculina, el amor entre dos tíos sin sexo de por medio, la diferencia de las relaciones entre hombres y mujeres. Especialmente bien logrados (me sentí bastante identificado) son la escena en el concierto de Rush, o la declaración de amor del final.
Fuera de estas cualidades, la cinta no deja de ser una clásica comedia romántica, con el mismo desarrollo y los mismos giros de siempre, con algunos momentos de humor grueso totalmente prescindibles y con unos personajes de lo más planos (especial reseña necesita el personaje de la novia, con menos desarrollo que la galleta de jengibre de Shrek).
De la quema de los personajes se salvan la pareja protagonista, que derrocha complicidad durante toda la película. Este es uno de los puntos fuertes de la película, del que principalmente tienen la culpa los más que correctos Paul Rudd y Jason Segel (Marshall en Cómo conocí a vuestra madre).
También merece la pena destacar la banda sonora de canciones, que incluye temas de Spoon, Rush o Pixies. Una buena opción si quieres ir al cine sin más pretensión que pasar un rato agradable y aislarte del mundo durante un par de horas.
Nota: 6,5
¿Hacemos una porno?
El título ya explica el argumento de la película, que por otra parte tampoco va mucho más allá de eso. Dos amigos de toda la vida, ahogados por la deudas, deciden hacer una película porno para salir del agujero. Los amigos, poco a poco se darán cuenta de que lo que sienten el uno por el otro es algo más que amistad y lo demás ya lo habéis visto en otras doscientas películas.
La diferencia con las otras trescientas películas es que Kevin Smith es un genio haciendo lo que hace. Su talento como cineasta es más bien limitado, pero hay pocos que escriban diálogos como él lo hace. Kevin Smith podría escribir una película que se basara en una conversación de dos amigos en un bar, y posiblemente sería una buena comedia. Tiene el talento de reproducir el habla cotidiana, pero hacer a sus personajes un punto más ingeniosos que la gente que le rodea. Y eso, es algo al alcance de muy pocos en el panorama cinematográfico.
Fuera de eso, la película es de lo más simplona, con los mismos giros de siempre, y un problema de identidad bastante grave, que se nota en la trama. ¿Qué quiere ser? ¿Una película romántica subida de tono? ¿O una comedia alocada? Los momentos en los que la película es una cosa y en los que es la otra no están muy bien armonizados, lo que hace que la película esté un tanto descompensada.
Pero de nuevo, hay muchos más motivos para disfrutarla que para despreciarla. Los diálogos, las referencias culturales, el trabajo de los actores o una realización superior a las anteriores películas del director hacen que se trate de un título muy recomendable para esta época veraniega, pese a no ser el mejor trabajo de Smith.
Durante esta semana, las principales producciones de ficción americanas ponen punto y final a sus temporadas actuales, algunas para no volver. Las principales cadenas ya piensan en la próxima temporada y en la programación de verano, de la que rescatamos lo más destacado.
La televisión en EE.UU. funciona de una manera mucho más rígida y cerrada que la de nuestro país. Las principales series se emiten entre los meses de octubre y mayo, descansando durante el verano y volviendo en torno a las mismas fechas de la temporada siguiente. Y ahora, como estamos en mayo, las grandes bazas de las cadenas van terminando poco a poco. Y en Estados Unidos existe una graqn cultura de la "season finale", es decir, que el último capítulo de cada serie siempre trata de ser el más espectacular de la temporada, dejando con ganas de más al espectador para la siguiente temporada.
Como he dicho, el fin de la temporada se produce de manera muy rígida, muy similar entre las distintas cadenas. Para que nos hagamos una idea, sólo en esta semana, se han emitido o se van a emitir los capítulos finales de series tan populares como House, Prison Break, Perdidos, The Office o Anatomía de Grey. Se trata, como vemos, de un periodo importantísimo para las cadenas, que deben rellenar muchos huecos en la parrilla durante los siguientes meses.
Así, las cadenas ya están anunciano sus principales bazas para los próximos meses. Normalmente se trata de productos de sugunda fila, aunque en ocasiones se puede dar la sorpresa y que alguno de ellos se convierta en un auténtico bombazo, como sucedió hace un par de años con Mad Men o Californication. Por eso, por si se da el caso de otro bombazo similar, en SéptimoArte te damos la oportunidad de adelantarte a los acontecimientos ofreciéndote lo más destacado del verano que se acerca.
The Philantropist-NBC-1ªtemporada-estreno 24/06
La principal apuesta de la NBC para este verano es The Philantropist. Como podemos deducir por su título, la serie trata las aventuras y desventuras de un hombre inmensamente rico pero con gran corazón, que utiliza su dinero para ayudar a los que más lo necesitan, lo que hace que se vea envuelto en situaciones muy peligrosas. Según la NBC, el personaje al que dará vida Tom Fontana será una mezcla de Bill Gates, Robin Hood y James Bond. La serie promete acción, algún que otro lío amoroso y un protagonista carismático con el que poder pasar las calurosas tardes de julio y agosto.
The Listener-NBC-1ªtemporada-estreno 4/06
Posiblemente a algunos os suene el título, o incluso algunos quizá hayáis visto algún capítulo. Esto se debe a que The Listener ha sido la primera serie americana de la historia en estrenarse en España antes que en EE.UU. Lógicamente, no hemos disfrutado de la exclusiva, pues este estreno también se ha producido en otros muchos países de Europa. La serie es un procedimental más con toque de ciencia ficción. En este caso se trata de un chico que resuelve casos gracias a sus superpoderes, en este caso, leer la mente. Pese a que las series de este tipo están siendo muy habituales en la parrilla americana últimamente, puede encontrar su hueco durante el verano, para superar el mono de Fringe, CSI, House o El Mentalista.
Merlín-NBC-1ªtemporada-estreno 21/06
También es posible que os suene o hayáis visto esta serie, pero tampoco ha sido gracias a la tele americana. En este caso, se trata de una producción de la BBC inglesa, que se emitió en otoño del año pasado con gran éxito de crítica y público. La serie trata la juventud del mago Merlín y, por lo tanto, lo que debemos esperar es una serie de época plagada de magia y efectos especiales, con la calidad que siempre garantizan los productos de la BBC. Si algún lector se aventura a ver la primera temporada y le gusta, la segunda está en plena producción y se estrenará en otoño de este año.
Surviving suburbia-ABC-1ªtemporada-estreno 27/05
La principal apuesta del verano de la cadena de Perdidos o Anatomía de Grey es esta sit-com centrada en la vida de un matrimonio y sus dos hijos en las afueras de la ciudad. Se trata de una comedia al uso, con risas enlatadas y veinte minutos de duración, en la que el protagonista es el padre de la familia, en una crisis de mediana edad y con una visión muy cínica de la vida. Este personaje está interpretado por Bob Saget, de sobra conocido en nuestro país gracias a su papel de Danny Tanner en la comedia de los noventa "Padres Forzosos".
The Goode Family-ABC-1ªtemporada-estreno 27/05
Se trata de una serie de animación, ideada por el creador de la mítica Beavis&Butt-Head. Con un humor que, supongamos será políticamente incorrecto, la serie narrará la vida de una familia obsesionada con el medio ambiente, una especie de hippies del siglo XXI obsesionados con la ecología. Pos esta razón, tratan de hacer todo bien, cuidando del medio ambiente hasta límites ridículos. Según los creadores, la serie tratará de hablar de todo lo que nos hace sentir incómodos, como el sexo, la religión o la propia ecología, y a decir las cosas que muchos piensan pero no se atreven a decir.
Mental-Fox-1ªtemporada-estreno 26/05
Un hombre es nombrado jefe de psiquiatría de un hospital psiquiátrico de Los Ángeles, y desde que ocupa el puesto, lleva a cabo una política nada ortodoxa con estos pacientes. Es capaz de meterse dentro de sus mentes y ver el mundo como ellos lo hacen, lo que provoca métodos extraños y tratamientos no menos extraños. El protagonista es Chris Vance, al que algunos conocerán por su actuación en la pasada temporada de Prison Break, y pretende ser una serie amena y entretenida, pues además de las tramas con los pacientes, también veremos como el protagonista tiene que lidiar con su jefa, que es su novia, para llevar a cabo sus métodos.
Nurse Jackie-Showtime-1ªtemporada-estreno 8/06
Nos encontramos ahora con unaserie al más puro estilo Showtime: Una dramedia de 30 minutos centrada en un personaje, normalmente femenino, con una vida llena de problemas, pero al mismo tiempo contada con grandes dosis de humor. Es una fórmula que llevan explotando unos años con Weeds, Californication o la reciente United States of Tara, y que les ha salido bien en todos los casos. Nurse Jackie cuenta la historia de una enfermera que trabaja en un hospital religioso, cuya única prioridad es ayudar a los pacientes. Su vida amorosa es un auténtico desastre y hasta coquetea con las drogas, lo que demuestra que su situación no es nada buena. Otro aliciente de la serie es la interpretación de Edie Falco como protagonista. Falco ha sido una de las actrices televisivas más premiadas de los últimos tiempos gracias a su papel de Carmela en Los Soprano. Esta serie supone su esperado regreso, pues sólo se había dejado ver en unos pocos capítulos de 30 Rock Hung-HBO-1ª temporada-estreno 28/06
Unhombre en la treintena es abandonado por su mujer, que también se lleva a sus hijos. Debe pasarles la pensión todos los meses con su empleo de entrenador de un equipo de baloncesto de instituto, que odia y del que además puede ser despedido. ¿Qué hace? Trata de utilizar el don que le ha dado Dios para lucrarse económicamente, un miembro viril de dimensiones extraordinarias. Sí, el planteamiento a mí también me parece una estupidez, pero debemos otorgarle algo más de crédito porque en primer lugar se trata de HBO, y en segundo lugar ha sido creada por Alexander Payne, ganador de un Oscar al mejor guión por Entre Copas. Según el creador, la serie será una comedia de humor negro que hablará sobre de lo que somos capaces de hacer los hombres en tiempos de crisis, lo que hace que este momento sea una época propicia para estrenarla. Tendremos que esperar hasta finales de junio para salir de dudas sobre ella.
Otras
Otras series que llegarán en verano, pero que en este caso no son ya estrenos, sino continuaciones son la multipremiada Mad Men, que volverá en el mes de agosto con su tercera temporada y según se rumorea lo hará con un salto temporal; también volverá True Blood, una de las series de las que más se habló el pasado otoño, con su segunda temporada (abajo os dejo una gran promo); y regresará Weeds, una de las dramedias más populares de los últimos tiempos, que comenzará su quinta (¿y última?) temporada el 9 de junio. Como podemos ver, tampoco habrá tiempo de aburrirse en verano.
El pasado jueves tuvo lugar la inauguración del festival Internacional de Documentales: Documenta Madrid 09. Es un festival que se ha ido haciendo un nombre en la ciudad y ya va por su sexta entrega. La edición de este año empezó el 1 de Mayo y acabará el día 10.
Por Álvaro Alonso (SéptimoArte en CeroPretensiones)
La gala de inauguración contaba con un invitado de excepción, Michael Nyman. El compositor de las bandas sonoras de El Piano, Gattaca o la reciente Teresa, el Cuerpo de Cristo. Aunque hacia el final de la gala interpretaría una pieza sentado al piano, su asistencia fue en calidad de director, pues el compositor también dirige cortometrajes y alguna película de corte muy independiente. A lo largo de la gala se pudieron ver dos de ellos, Love Train y Witness 2, con una banda sonora impactante pero de escaso valor cinematográfico.
Por lo demás, la gala, a cargo de una divertida Rosa Mª Mateo, transcurrió de manera rápida y amena, lo que no es demasiado común en eventos de este tipo. Se fueron explicando uno a uno los ciclos y secciones que componen el festival.
A continuación, se pudo ver un corto inédito llamado "Límite:1ªpersona", de Elías León, una pieza muy interesante en la que juega con los límites del documental y la ficción. La pieza se ha podido ver esta semana en otros cines de Madrid, y no sería de extrañar que tenga éxito en futuros festivales.
Finalmente, llegó el momento más esperado de la inauguración, la actuación de Michael Nyman. Y no fue una actuación al uso, pues el músico improvisó, sentado al piano, la banda sonora de tres cortos documentales, la primera parte de su corto Witness (recordemos que pudimos ver la segunda parte al principio de la gala) y dos documentales clásicos, "Manhatta", una pieza de Charles Sheeler y Paul Strand de 1921 sobre la ciudad de Manhattan y el mítico "A proposse de Nice" del precoz cineasta de los años veinte, Jean Vigó.
Con esta actuación se puso el punto final a la gala de presentación, pero no al festival, cuyas piezas se podrán ver en Madrid a lo largo de toda la semana. Como hemos visto, se podrán ver documentales de gran variedad temática y distintas duraciones, con lo que conviene echar un vistazo a la página web y acercarse a ver cine documental, pues las oportunidades de ver este tipo de cine en cantidades tan abundantes no son muchas en la capital
Cada año, durante más de una semana, el mundo del cine gira su mirada hacia la costa azul, concretamente hacia Cannes, donde tiene lugar el festival de cine más importante del mundo. Desde el día trece de mayo, los directores y actores más importantes del panorama cinematográfico mundial pasearán por su alfombra roja y se podrán ver por primera vez algunas de las películas más esperadas del año. Desde SéptimoArte trataremos de dar las claves sobre esta cita ineludible para los amantes del cine.
Por Álvaro Alonso (SéptimoArte en CeroPretensiones)
La historia del festival
El nacimiento del festival comenzó a fraguarse antes del comienzo de la Segunda Guerra Mundial. Durante 1939, los principales mandatarios de la Metro Goldwyn Mayer decidieron que debía crearse un festival en Francia que hiciera la competencia al recientemente creado festival de Venecia, y que de paso lo hiciera desde una perspectiva más cercana a las grandes productoras americanas que el festival italiano. Tras encargar la labor a una serie de expertos, se decidió que el lugar ideal sería Cannes. La primera edición del festival se debería haber celebrado ese año, y la Metro ya tenía preparado un desfile de estrellas por la ciudad francesa, pero el comienzo de la Segunda Guerra Mundial hizo que todo se paralizara.
Después del conflicto bélico, en 1946, tuvo lugar la primera edición del festival. En esta primera ediión no hubo un gran premio para una sola película, sino que fueron varias las que compartieron el Gran Premio del Festival, entre las que destacan títulos tan importantes como Días sin Huella (Billy Wilder), Brief Encounter (David Lean), y la gran revolución del festival, Roma, Ciudad Abierta, de Roberto Rossellini.
Desde entonces, pese a ciertas dificultades experimentadas en los primeros años, el festival comenzó a crecer de manera imparable, asentándose en un modelo que hasta hoy sigue vigente: el festival se nutre de la visita y los estrenos de los grandes directores y actores del cine mundial, mientras que al mismo tiempo se premian propuestas arriesgadas y más alejadas del circuito comercial. Fue Cannes el que dio fama mundial a François Truffaut, David Lynch, Steven Soderbergh o Lars Von Trier.
La Palma de Oro
La Palma de Oro es, junto al Oscar, el trofeo cinematográfico más conocido del mundo. De hecho, para muchos directores, ganar el máximo premio del festival es mucho más valioso que ganar la estatuilla de Hollywood. Lo cierto es que, desde que se comenzara a entregar en 1956, inspirada en el escudo de la ciudad que alberga el festival, son muchos y muy distintos los directores premiados con el máximo galardón, y no es ninguna osadía decir que es un premio mucho más abierto que los de la academia de Hollywood.
La primera película en conseguir el galardón fue El Mundo del Silencio, un documental de Jacques Cousteau y Louis Malle en 1956. Desde entonces, el festival ha otorgado el máximo premio a cintas americanas como Taxi Driver (Scorsese), Pulp Fiction (Tarantino) o La conversación (Coppola), largometrajes italianos como La Dolce Vita (Fellini) o El Gatopardo (Visconti), o películas de tan diversos países como Rumanía, Irán, México, Japón o Argelia.
La edición del 2009
Para los realizadores que presentan sus proyectos a la consideración del festival, aparecer entre los elegidos para la sección oficial es ya un triunfo. El simple hecho de estar nominado ya otorga prestigio. Sólo hay que ver que las películas elegidas siempre lo resantan en sus carteles promocionales cuando comienzan su exhibición. Además, como una gran parte de los largometrajes que se proyectan en Cannes son preestrenos exclusivos del festival, la expectación y la publicidad obtenida son muy grandes, y las opiniones de los críticos son leídas con atención por los amantes del séptimo arte.
En lo que respecta a esta edición, la sección oficial viene especialmente cargada de proyectos esperadísimos, aunque es verdad que en su mayoría son obras de directores "amigos" del festival, premiados en otras ocasiones, o al menos presentes en la sección oficial de alguna otra edición.
Así, entre los días 13 y 24 de mayo, los afortunados que asistan al festival, podrán ver, entre otras cosas, las siguientes películas:
Antichrist, de Lars Von Trier: El esperadísimo nuevo trabajo de uno de los directores más amados y odiados alrededor del mundo. El nuevo trabajo del danés es una historia de terror, cuyo tráiler ha dado ya mucho que hablar. Se trata nada más y nada menos que de su décima participación en el festival, en el que conquistó la Palma de Oro en año 2000 por Bailar en la Oscuridad.
The White Ribbon de Michael Haneke: El director que nos lo hizo pasar mal un mal rato por partida doble con sus dos versiones de Funny Games, regresa a la sección oficial con esta historia ambientada en un pueblo alemán en vísperas de la primera guerra mundial, en el que una serie de sucesos parecen indicar que alguien se está tomando la justicia por su mano.
Thirst de Park Chan-wook: Con el cine coreano en alza, uno de sus puntales, que nos sorprendió en 2004 con Oldboy, llega ahora con una obra que seguro no dejará indiferente a los asistentes al festival. El tráiler nos deja etrever una película de vampiros con un gran desarrollo del personaje protagonista, sin lugar a dudas, una extraña propuesta para el festival.
Looking for Eric de Ken Loach: El inglés es uno de los favoritos del festival. Ha estado en una decena de ocasiones y siempre se ha llevado algún premio. Su última participación, con El Viento que Agita la Cebada, le valió la Palma de Oro más discutida de los últimos años. En esta edición, nos presenta una historia amable de un hombre cuyo ídolo es Eric Cantona. Parece que el futbolista tendrá un papel importante en la cinta, que puede ser una de las sorpresas agradables del festival.
Taking Woodstock de Ang Lee: Aunque parezca mentira, es sólo su segunda participación en el festival. El realizador Taiwanés, responsable de Tigre y Dragón, Hulk o Brokeback Mountain, propone ahora una película basada en la historia real de un chico que, agobiado por las deudas de su familia, colabora en la organización del evento musical más importante del siglo XX
UP de Pete Docter y Bob Peterson: Aunque la nueva película de Pixar está fuera de concurso, se trata de una de las películas más esperadas del año y será la encargada de abrir el festival. Sus directores son también responsables de otras cintas de la franquicia como Buscando a Nemo, Ratatouille o Monstruos S.A. Desde hace unos años, las películas de Pixar suponen todo un acontecimiento, y este año no es una excepción.
Inglorious Bastards de Quentin Tarantino: Seguramente la llegada a Cannes de Tarantino junto a Brad Pitt será uno de los grandes momentos del festival. Es una de las películas más esperadas de los últimos años y, aunque no creo que se lleve nada, una nueva película del realizador de Pulp Fiction es siempre un acontecimiento. Nadie se querrá perder su personal vision de la segunda guerra mundial.
El acento español
La croissette, como se conoce al festival, nunca ha sido especialmente benigna con el cine español. Los éxitos más sonados los consiguieron clásicos de nuestra cinematografía como Viridiana de Buñuel (Palma de Oro) Bienvenido Mr. Marshall (premio Internacional) o Los Santos Inocentes (Mejor actor compartido entre Paco Rabal y Alfredo Landa). Fuera de estos clásicos históricos de nuestro cine, en Cannes no se han escuchado nunca muchos nombres españoles. Salvo Almodóvar, claro, que acumula en su haber un premio a mejor director por Todo sobre mi madre y uno al mejor guión por Volver, además de abrir el festival con La Mala educación.
Sin embargo, este año las cosas parecen haber cambiado. Justo cuando en nuestro país se desata el eterno debate sobre la calidad del cine español, tres películas seproyectarán en la sección oficial: Los Abrazos Rotos del mencionado Almodóvar, Maps of the Sounds of Tokio de Isabel Coixet y Agora, de Alejandro Amenábar, esta última fuera de concurso.
Los Abrazos Rotos es la única de las tres que ya se ha podido ver en cines, con buenos resultados de taquilla y críticas muy dispares. Sin embargo, no es un secreto que, sobre todo en los últimos tiempos, el trabajo del director manchego tiene mucha mejor acogida fuera de nuestro país que en nuestras fronteras. Además, se puede considerar que es uno de los directores "queridos" del festival, con lo que no es descartable algún premio.
Mucho más difícil lo tendrá la catalana Isabel Coixet, que ha cumplico con esta película su sueño de rodar en la ciudad de Tokio. Se trata de una película pequeña de a las que al jurado le gusta premiar de vez en cuando. El tema de la cinta es el habitual de los trabajos de Coixet: el amor, la soledad, los sentimientos o las relaciones de pareja, aunque en esta ocasión parece que tendrá también ingredientes de thriller.
Agora, por su parte, es una de las películas más esperadas en nuestro país, donde Amenábar cuenta sus películas por éxitos de crítica y público. En esta última película, como ya se habló en ActaDiurna, el director de Tesis nos trasladará al antiguo Egipto en una producción multimillonaria que cuenta con la estrella internacional Rachel Weisz y ha costado más de 50 millones de euros.
Así pues, todo está preparado para que en unos días comience el festival de cine más importante del mundo, con la presidencia del jurado a cargo de la actriz Isabelle Huppert y un marcado acento español.
Desde su entrada en el panorama de los festivales cinematográficos en el año 1998, el festival de Málaga se ha convertido en una cita imprescindible para los amantes del cine español, además de un buen termómetro para medir la situación actual de nuestro cine. La edición de este año, que se celebra desde el día 17 al 25 de este mes, se caracteriza por la unión de apuestas independientes con propuestas de carácter más comercial.
Por Álvaro Alonso (SéptimoArte en CeroPretensiones)
¿Dónde estamos? ¿A dónde vamos? ¿Qué hacemos bien y qué hacemos mal? Estas son las preguntas que año a año se hace la industria cinematográfica de nuestro país cuando llegan los resultados de taquilla. El cine español vive continuamente preocupado por su situación y por eso son tan importantes citas como el festival de Málaga, dedicado enteramente al cine de realizado dentro de nuestras fronteras.
Desde hace ya doce años, se estrenan en Málaga por estas fechas algunas de las propuestas más interesantes del panorama cinematográfico español, tratando de dar cabida a todos los géneros y autores, para mostrar una idea general sobre el momento que atraviesa la industria. La edición de este año no podía ser menos, y presenta en su sección oficial todo tipo de propuestas que darán que hablar en los próximos meses, tanto en el mundo de los largometrajes como en el de los cortometrajes.
Entre las películas más esperadas del festival se encuentran directores noveles y representantes de la escena independiente como La Vergüenza, Agallas o Tres días con la familia y propuestas pensadas para el público general como son Pagafantas o Fuga de Cerebros.
Mientras tanto, el festival ha comenzado ya su sección oficial y algunos títulos empiezan a postularse para el premio final, la Biznaga de Oro, que se entregará el sábado. Este es el caso de La Vergüenza, el esperado debut en el largometraje de David Planell, consolidado guionista televisivo y director de cortometrajes, así como responsable del libreto de Siete Mesas de Billar Francés.
También hemos podido ver en el festival a dos históricos de la política, Manuel Fraga y Santiago Carrillo, con motivo del estreno de Últimos Testigos, un doumental en el que los dos políticos analizan en primera persona los acontecimientos políticos más importantes sucedidos en España durante casi todo el siglo XX.
Otro nombre propio de lo que llevamos de festival es Juan Diego, que ha recibido el premio Málaga en reconocimiento a toda su carrera como actor. Este premio fue el momento más emotivo de la jornada del lunes, ya que el actor se mostró muy emocionado en el escenario acompañado de Antonio Banderas, uno de los principales impulsores del festival y encargado de entregarle el premio.
La ciudad de Málaga seguirá acogiendo estrenos hasta el viernes, pero no debemos olvidar todos los acontecimientos paralelos que van a tener lugar en la ciudad durante los próximos días, entre los que destacan multitud de mesas redondas y talleres, un homenaje a la película de Buñuel Viridiana, un analisis a la trayectoria de Enrique Cerezo o una retrospectiva de la carrera de Antonio Banderas llamada Abriendo el Camino.
Así, durante los próximos días Málaga seguirá respirando cine español como cada año por estas fechas, como también lo haremos nosotros gracias a la cobertura que los grandes medios de comunicación nacionales están dando al acontecimiento.
Este viernes a las tres de la madrugada (hora española) se emite en EE.UU. el primer capítulo de la tanda final de la popular serie de la cadena Fox. Estos seis últimos capítulos supondrán el punto y final a una de las series con más fans en todo el mundo, aunque se rumorea que 20th Century Fox TV está preparando una tv movie de hora y media para poner el broche definitivo a la historia. Por Álvaro Alonso (SéptimoArte en CeroPretensiones) Lo cierto es que la mayoría de los críticos y espectadores opinan que la serie debía haber terminado hace mucho tiempo. También es cierto que el título de la serie dejó de tener sentido hace tiempo. Las audiencias de la serie en EE.UU. no han hecho más que bajar en los últimos dos años, las tramas no tienen tanto interés como al principio... Podría seguir dando argumentos que constaten la caída que ha experimentado Prison Break en los últimos tiempos, pero los millones de internautas que la convierten en la tercera serie más descargada en todo el mundo indican que sus últimos episodios son el acontecimiento televisivo de la primavera.
La serie se emitió por primera vez el 29 de agosto de 2005 y el último episodio hasta ahora lo pudimos ver el 22 de diciembre del pasado 2008. Setenta y tres episodios en total a lo largo de cuatro temporadas en los que la serie ha cambiado su trama en multitud de ocasiones. Este viernes comienza su desenlace, aunque no está nada claro cómo se desarrollará. De momento parece confirmado que habrá seis capítulos más, hasta el día 15 de mayo, cuando se emita el capítulo 22 de la cuarta temporada, y así se cierre la temporada natural.
Ahora bien, parece que este no será el final definitivo de la serie. Por lo que ha dado ha entender Matt Olmstead, uno de los productores ejecutivos de la serie, la productora televisiva de la cadena, está desarrollando un proyecto llamado "The Final Break", una tv-movie de unos noventa minutos que sí que sería el cierre definitivo de las andadas de Michael Scoffield. Según podemos entender de estas mismas declaraciones, de momento no hay garantías de que este especial se emita por televisión, aunque lo que sí es seguro es su lanzamiento en dvd.
Así las cosas, el próximo sábado comenzaremos a descubrir si el final de esta popular serie está a la altura de las espectativas creadas, o por el contrario se mantiene en la mediocridad de las últimas temporadas. De momento, podemos ver un tráiler muy prometedor.
El próximo domingo se emiten los dos primeros episodios de la prestigiosa serie In Treatment. La última creación de Rodrigo García llegará de nuevo a las pantallas a través de la cadena HBO tras haber conseguido numerosos premios en su primera temporada. La serie comenzará con un nuevo formato de emisión y un elenco de actores radicalmente distinto al de la temporada anterior.
Por Álvaro Alonso (SéptimoArte en CeroPretensiones)
Después de muchos rumores de cancelación por las bajas audiencias, los ejecutivos de la HBO, alentados por el éxito de crítica y los premios conseguidos, decidieron encargar la realización de la segunda temporada de una de las sorpresas más agradables que nos ha traído la televisión americana en los últimos años.
Para los que no la han visto, In Treatment es la historia de Paul Weston (Gabriel Byrne), un psicólogo que atiende a sus pacientes en la consulta situada en su propia casa. Y esa es la serie, un psicólogo atendiendo a sus pacientes en su casa, nada más y nada menos. Además de la arriesgada propuesta temática, (dos personas hablando durante veinte minutos sobre sus problemas), la serie proponía un formato original: poco más de veinte minutos diarios, de lunes a viernes, cada uno de los días de la semana tratando con un paciente distinto, salvo el viernes, que era el propio Paul el que acudía a terapia. Los guiones son magníficos y los actores están estupendos, pero no voy a hacer una crítica de la serie, creo que Hernán Casciari la hace en su blog mucho mejor de lo que yo podría hacerlo.
Pero volviendo a la segunda temporada, las cosas van a cambiar un poco. Ya no se emitirá un capítulo diario. Seguirán siendo cinco capítulos semanales, dos los domingos y los tres restantes los lunes. Estos cambios se han decidido por parte de la ejecutiva de la HBO, para mejorar los pobres datos de audiencia conseguidos el pasado año. Tampoco serán los mismos los pacientes, pues sus tramas quedaron resueltas de una u otra forma. La única sesión que se mantendrá será la que el propio doctor mantiene de manera semanal con Gina, interpretada magistralmente por Dianne Wiest.
El domingo comprobaremos si la nueva temporada mantiene el excelente nivel de la anterior, pero mientras tanto, nos conformamos con el estupendo tráiler que ha comenzado a circular hace unos días.
El afamado director norteamericano Sam Mendes está finalizando el rodaje de su última película, de la que ya podemos ver el tráiler. La cinta, una comedia agridulce sobre un matrimonio en busca del lugar idóneo para críar a su primer hijo, se estrenará a principios del mes de junio en EE.UU. Para verla en nuestro país, como siempre, tendremos que esperar un poco más.
No se puede decir que Sam Mendes sea un director productivo, en lo que a cantidad de películas se refiere. Desde que en 1999 irrumpiera como una apisonadora en el panorama cinematográfico con "American Beauty", el director sólo ha estrenado hasta el momento cuatro películas: la mencionada American Beauty, Jarhead, Camino a la Perdición y Revolutionary Road. Por esta razón, resulta sorprendente que tan solo unos meses después del estreno de la despiadada y a la vez totalmente recomendable Revolutionary Road, ya se haya anunciado su nueva película para mediados de año.
Con "Away We Go", parece que Sam Mendes deja de lado los grandes temas que han caracterizado sus anteriores trabajos, para sumergirse en una comedia aparentemente humilde y sin demasiadas pretensiones, aunque como es de esperar por su trayectoria, seguramente tendrá mucha más profundidad de la que hace ver.
El argumento es el siguiente: Un joven matrimonio a la espera de su primer hijo, viajan por los Estados Unidos buscando el sitio idóneo donde poder asentarse y empezar así una nueva y próspera vida familiar. En el camino se encontrarán con toda clase de familias que les harán replantearse sus ideas.
Esta mezcla de comedia y road movie está escrita por David Eggers, un autor muy célebre en norteamérica, autor del guión de Where The Wild Things Are, que se estrenará también este año. La pareja protagonista son los televisivos John Krasinski y Maya Rudolph. El primero es conocido por su papel de Jim en la serie de la NBC "The Office" y la segunda fue durante años una de las estrellas del Saturday Night Live. Además estarán acompañados en el reparto por actores de la talla de Maggie Gyllenhaal, Catherine O’Hara o Jeff Daniels.
A continuación les dejo con el trailer (en inglés) de la película para que vayan haciéndose a la idea de lo próximo que nos brindará este interesantísimo director. Sin duda, uno de los títulos más esperados para el próximo verano.
Gran Torino, la última película del multipremiado Clint Eastwood, ha conseguido presidir la lista de las películas más vistas en nuestro país durante su primer fin de semana. La esperadísima adaptación del cómic Watchmen se ha tenido que conformar con un tercer puesto, pese a su gran campaña promocional. Mientras tanto, Adam Sandler vuelve a encandilar a toda la familia con Más Allá de los Sueños y las nominadas a los Oscar dan sus ultimos coletazos.
El "efecto Oscar" se ha hecho notar esta semana en la taquilla de nuestro país, con más de 10 millones de euros recaudados, cifra bastante superior a la registrada el año pasado en la misma fecha. Lo cierto es que había varios indicios que podían anticipar este dato: los estrenos han sido bastante potentes, las semanas anteriores también superaban las cifras del pasado año y la gran triunfadora de los Oscar, Slumdog Millionaire, ha tenido muchísimo éxito tras su triunfo en la ceremonia de los premios de la Academia.
La gran triunfadora, sin lugar a dudas, ha sido Gran Torino, que demuestra que su veterano director es una garantía de éxito en nuestras salas, como también pudimos comprobar con El Intercambio, estrenada hace pocos meses y que también cosechó una recaudación más que notable. Gran Torino venía además con un interés añadido, ya que según ha asegurado Clint Eastwood, éste será su último papel como actor. El estilo clásico y sobrio, y el aliciente de ponerse de nuevo delante de las cámaras interpretando un personaje con un carácter similar al de su legendario "Harry el Sucio" han lo grado que la gente acuda a las salas de manera masiva a ver su último título.
El segundo puesto de la semana es para Más allá de los Sueños, una comedia familiar con el aliciente del papel protagónico de Adam Sandler, garantía de éxito comercial. El argumento es simple: Un tío (Sandler) cuenta historias a sus sobrinos antes de que se acuesten. Todo parece feliz y armonioso hasta que esos cuentos comienzan a hacerse realidad. A partir de aquí veremos un sinfín de situaciones absurdas acompañadas de las muecas del protagonista y un final feliz con moraleja familiar incluída. En resumen, todos los ingredientes que debe tener una película para convertirse en un éxito para toda la familia.
La tercera en discordia es Watchmen, que se ha tenido que conformar con una modesta medalla de bronce, sobre todo teniendo en cuenta la expectación que se había creado en torno a la obra y a la increíble campaña publicitaria multimediática en la que se había puesto toda la carne en el asador. Aun así, estamos hablando de más de un millón y medio de euros recaudados en su primer fin de semana, con lo que en absoluto se puede decir que haya sido un fracaso. Por otro lado, la acogida de la crítica y los fans no ha sido la esperada, pues las expectativas creadas eran enormes, obligándola prácticamente a ser la mejor película de superhéroes de la historia, honor que por lo que parece seguirá siendo de El Caballero Oscuro.
El otro estreno destacado de la semana, The Code, con Morgan Freeman y Antonio Banderas ha sido mucho más discreto que los anteriores, pero hay que reconocer que la campaña de publicidad no ha sido comparable a los anteriormente comentados y las copias distribuídas también han sido muchísimas menos. Además, todo hay que decirlo, la película tiene una pinta poco menos que espantosa.
Entre los demás títulos que completan el Top 10 de la semana, el cuarto es para la multipremiada (y altamente recomendable) Slumdog Millionaire, que está teniendo una acogida espectacular tras cosechar ocho premios Oscar. Entre las premiadas en la gala, siguen en la lista El Curioso caso de Bejamin Button y El Lector, en séptimo y octavo lugar respectivamente. La Pantera Rosa 2, Un Chihuahua en Beverly Hills y Push completan la lista de las más taquilleras de la semana.
SéptimoArte es una sección de cero pretensiones en la que se tratará todo lo relacionado con el mundo del cine y la ficción televisiva, desde un punto de vista crítico y desenfadado: estrenos, noticias, críticas, análisis...
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